Parlare di etica degli investimenti in arte sta diventando una vera e propria necessità in questo momento storico. Periodo durante il quale capita sovente che piccoli gruppi di potere, forti di nomi noti in certi ambienti, tendano a chiudere il mercato entro le quattro mura del proprio gruppo creando di fatto una specie di ostruzionismo verso gli artisti emergenti. L’investimento in arte ha quindi un serio bisogno di tornare ad essere etico, basato sul reale valore artistico ed estetico, sul merito, il talento, le capacità creative di un artista e non esclusivamente legato a strategie di mercato. Noi siamo i primi a riconoscere la necessità di comunicazione e di marketing nel settore artistico ma tali strategie hanno un senso quando si vuole offrire opportunità a creativi ed artisti meritevoli di poter rendere condivisibile la propria arte come patrimonio estetico e culturale comune. Oggi invece assistiamo a speculatori dell’arte che decidono aprioristicamente quale sarà il mercato e tendono a condizionare le scelte indipendentemente dal valore “creativo” dell’opera e dell’artista. 
Le cosiddette “grandi gallerie” tendono a cortocircuitare il mercato proponendo decine se non centinaia di opere, sempre degli stessi autori. In questo caso può essere chiaro che la galleria abbia stipulato con l’artista un contratto di esclusiva e potrebbe far circolare il nome dell’artista all’interno di un circuito ristretto di collezionisti che, legati tra loro, ne esaltano il valore nel loro “piccolo” ambiente. Questo atteggiamento però è destinato ad implodere in molte occasioni. Quando un collezionista o un investitore in arte trova difficoltà a piazzare l’opera acquistata all’esterno del circuito di chi l’ha proposta, probabilmente è incapatto in questi “giochi di potere”.
L’arte ha necessità di tornare a parlare di valore intrinseco di espressione, comunicazione, creatività, capacità, talento dell’artista ovviamente con la consapevolezza che l’arte giudica se stessa e non ha né limiti né vincoli. Allora l’investimento è davvero per il futuro. Acquistare ciò che entrerà nella “storia dell’arte”, credere nella propria capacità di scelta.
L’opera deve poter mantenere il suo valore di unicità mentre oggi si vedono produzioni dozzinali. Quando tutti hanno un’opera originale di un determinato artista allora quell’artista non potrà crescere di valore più di tanto, la produzione può diventare prettamente artigianale.
Quando invece tutti hanno una riproduzione di un’opera unica, come i girasoli di Van Gogh, ad esempio, allora significa che quel pezzo è davvero pregiato e la maggioranza si deve accontentare di averlo stampato o riprodotto.
I veri collezionisti, gli amanti dell’arte, gli appassionati del talento artistico cercano nei luoghi del non ancora conosciuto, ammirano aspetti come l’originalità, la creatività e la capacità comunicativa di un’opera e dell’artista che la crea e tutelano il bene che hanno acquistato. Oltre però alle poche gallerie che cercano di gestire quasi tutto il mercato dell’arte oscurando a volte gli emergenti, soprattutto in Italia, ci sono molte realtà che oggi sembrano isolate dove però è possibile cogliere il vero investimento, il nuovo talento. Ci sono nuove gallerie d’arte in cui sono esposti giovani artisti, curricularmente parlando, di notevole pregio, troviamo reali talenti, che possono andare da pregiati esecutori e profondi conoscitori delle tecniche pittoriche, della grafica, scultura, del disegno, della fotografia fino ai creativi e innovatori dell’arte che sanno anticipare il futuro. Quando parliamo di “etica dell’investimento in arte” ci riferiamo alla capacità di chi acquista arte di individuare un bene artistico e diventare artefice della sua crescita, senza affidarsi esclusivamente a pochi gruppi di potere che hanno lottizzato il mercato dell’arte. Fidarsi più di sé stessi, del proprio gusto e delle proprie capacità di individuare un creativo o affidarsi a consulenti che selezionano artisti sulla base di opportunità di crescita e sviluppo che siano indipendenti dai circuiti chiusi che stanno cercando di monopolizzare il mercato.
Un investimento etico produce una maggiore valorizzazione anche commerciale dell’opera e dell’artista su cui si decide di puntare.
L’etica è quindi la capacità di investire in un bene artistico in grado di trasmetterci una reale esperienza, è quando il valore artistico ed il valore commerciale di un’opera d’arte sono armonizzati e sembrano coincidere. Allora un’opera può valere anche milioni di euro, o diventare di valore inestimabile, se è in grado di meritarlo. Devo dire che artingout, in questo, rappresenta una realtà che va tenuta in seria considerazione.

 
a cura di
Marco Baranello
fondatore teoria emotocognitiva
direttore scientifico ISTEM (arte e scienza)
 

Come Citare Questa Fonte 
Baranello, M. (2011)
Etica degli investimenti in arte.
www.artingout.com. Roma, 16 novembre 2011

Potremmo definire “arte” semplicemente “tutto ciò che, nel qui-e-ora, una comunità di riferimento chiama arte” ovvero ”è arte tutto ciò che si definisce arte” di conseguenza l’artista è colui che si autodefinisce o che viene definito tale. Questo significa che non esiste obiettivamente una definizione univoca di arte né tantomento del concetto di artista. L’arte diviene quindi un’esperienza psico-sociale, afferma lo psicologo e scienziato italiano Marco Baranello, fondatore della teoria emotocognitiva.  In questo articolo non affronteremo pertanto il discorso di cosa sia l’arte ma parleremo di come l’arte possa diventare monetizzabile.  Ci sono artisti che preferiscono produrre senza esporsi, senza monetizzare. Tra questi ci sono persone che “possono permettersi” di non monetizzare dedicando comunque il proprio tempo completamente all’arte, altri che vogliono che rimanga un passatempo secondario ad un altro lavoro. Questo articolo è dedicato a coloro che vorrebbero che l’arte fosse il settore principale al quale dedicarsi, nel quale spendere il proprio tempo e le proprie energie potendo quindi vivere di arte. Parleremo di come diventare artista di professione indicando alcuni punti fondamentali. Questo articolo ha lo scopo di offrire uno spunto per comprendere che per orientarsi nella professione di artista e iniziare a vendere la propria arte non è sufficiente il solo talento ma è assolutamente necessario il come far si che un talento sia riconosciuto e diffuso. Se ho una competenza è quindi necessario che il mondo sappia dell’esistenza della mia competenza!

 
1) Scegliere di Autodefinirsi Artista. Investire nell’Arte.
Il primo passo, di certo il più complicato, è quello di decidere di diventare un artista, di autodefinirsi tale, di pensarsi artista. E’ davvero un passo difficile perché significa percorrere una strada alla quale dedicarsi completamente, come tutte le strade nuove piena solo della sicurezza dell’incertezza. In linea di principio è avvantaggiato chi ha tempo da spendere per l’arte e, ovviamente, chi ha denaro da spendere per l’investimento nella propria arte. La scelta di diventare artista risente di numerosi stereotipi, basti pensare al detto “impara l’arte e mettila da parte” per capire. Se nessuno decidesse di diventare artista non esisterebbero né arte né artisti ovviamente. Pochissimi sono sostenuti dalle proprie famiglie in questo tipo di scelte e le frasi più comuni che, soprattutto i giovani si sentono ripetere, sono relative all’idea che sia un percorso ”difficile”, che non offre guadagno, che chi ce la fa è solo chi ha conoscenze. Le difficoltà sono spesso obiettive ma ogni problema è tale finché non si trova la soluzione, il “come fare”. Diremo quindi che nel momento che si decide di essere un artista è necessario iniziare a capire questo “come fare”, trovare le linee guida adeguate per raggiungere i nostri obiettivi, la nostra visione del futuro ed inserirsi nel mercato dell’arte da professionisti del settore.
 

2) So di non sapere!
Al talento nell’arte non sempre corrisponde il successo. L’artista che vuole guadagnare con la propria arte deve sapere necessariaemnte che la sua è una professione e che ha qualcosa da vendere. Qui si entra di fatto negli aspetti legati al mercato, al marketing e alla comunicazione. Cosa vende l’artista? Dire che vende un quadro, una fotografia, una scultura, un brano musicale o altro è superficiale. Un artista vende qualcosa di diverso ad acquirenti diversi. Vende bellezza, vende benessere, vende arte nel suo senso estetico, vende un valore per il futuro, vende un nome, vende una sensazione, ecc. C’è infatti chi compra per vantarsi di avere un pezzo di uno specifico artista, chi acquista perché vuole essere il primo ad aver scoperto un artista, chi compra per investimento, chi perché è attratto dall’opera per un personale motivo e così via. Una stessa opera può essere venduta in modo diverso in relazione a chi è rivolto il nostro mercato. Essere un artista non significa essere anche un bravo consulente in marketing e comunicazione né significa essere un bravo venditore.
Il fai da te può essere vantaggioso dal punto di vista del risparmio sulla spesa d’investimento ma fin troppo spesso non rende quanto ci si aspetta e la sensazione di sforzarsi nella propria attività inizia a diventare una costante. Il secondo punto per diventare artista è quindi “sapere di non sapere” e avvalersi di quei professionisti che conoscono ciò di cui l’artista ha bisogno per lo sviluppo della propria attività. Se prendiamo come riferimento un artista nel campo della pittura o della scultura è necessario sapere a chi rivolgersi per diverse esigenze. Uffici stampa, organizzazione eventi, tipografie, grafici, fotografi, consulenti in marketing e comunicazione, pubblicitari. A volte non si sa proprio a chi rivolgersi in quanto si ignora l’esistenza stessa di specifici professionisti. Ecco che il sapere a chi rivolgersi è davvero fondamentale. Non dimentichiamo ovviamente gli adempimenti fiscali e la normativa di riferimento.
 

3) Chi ben inizia… il Biglietto da Visita
Capita sovente di incontrare un artista, anche per caso, di chiedere un biglietto da visita e scoprire che non ce l’ha… Le frasi più comuni sono “li ho finiti”, “non li ho dietro”, “sono in stampa”, ecc. Altre volte vediamo biglietti da visita tagliati a mano, stampati a casa o nelle macchinette fai da te, oppure biglietti graficaemnte non professionali. Abbiamo già detto che l’artista che vuole guadagnare con la propria arte deve considerarsi un professionista e quindi adeguare la propria immagine alle proprie aspettative di successo. “Quando potrò farò” non funziona purtroppo. Ci sono alcuni passi che non devono essere saltati per non perdere le occasioni che possono capitare. E’ quindi essenziale munirsi di biglietti da visita. Si può risparmiare rivolgendosi ad un buon consulente in marketing artistico o ad un buon grafico che sapranno valutare lo stile del proprio biglietto da visita in relazione al proprio target di riferimento. Quanti biglietti stampare? Maggiore è la quantità minore in genere il costo e maggiori le possibilità di non terminare i biglietti! Dire “per ora 100 bastano” è davvero un assurdo perché significa aprioristicamete determinare un limite. Se si pensa che 1.000 siano tantissimi meglio stamparne 5.000! Ricordiamo che non è sufficiente avere semplicemente un biglietto da visita, è necessario che sia realizzato nel modo adeguato.
 

4) Siti Web o Web-Marketing?
Oggi chiunque può realizzare un proprio sito anche per proprio conto. In un mercato però dove ognuno può, nel suo piccolo, creare qualcosa, ciò che distingue un prodotto dall’altro è proprio il “come è realizzato”. Di nuovo tocchiamo gli aspetti peculiari del marketing e della comunicazione in arte. Pensiamo alla pubblicità su tv, radio o giornali, davvero basta la pubblicità o è importante il modo in cui la pubblicità è creata e il modo in cui viene diffusa? A volte una pubblicità in apparenza esteticamente non piacevole è studiata per sortire però l’effetto di ricordare e riconoscere un prodotto. Dietro la pubblicità, il marketing, la comunicazione ci sono studi molto complessi. Per il Web vale la stessa cosa. Il web è uno strumento e la sua efficacia promozionale è nel come viene utilizzato. Non basta quindi un sito, occorre che sia adeguato a numerose variabili e serve, oggi in particolare, una pianificazione strategica di web-marketing. Piazzamento sui motori di ricerca, efficacia comunicativa, ergonomia del web, ecc.
 

5) Artisti di Professione si Diventa!
Ci sono persone che sembrano davvero avere una dote naturale nel campo dell’arte, che sia musica o che sia disegno, danza o recitazione. Visto che Artingout si occupa di arti visive puntiamo l’attenzione ad esempio sulla pittura e sul disegno. Esistono pittori davvero molto bravi dal punto di vista figurativo che però, ad esempio, non riescono a produrre un quadro astratto di altrettanto impatto e, ovviamente, viceversa. La bravura di un artista non è quindi legata di per sé alla capacità di riprodurre ma soprattutto alla capacità di trasmettere una certa informazione (in genere multi-sensoriale). Chi nasce con un talento artistico e volesse rendere ciò una professione non sempre è in grado di trasformare in guadagno la propria arte. Questo concetto è stato già espresso nel paragrafo “so di non sapere” ma lo ribadiamo in quanto è importante sapere che quando la “natura” ci concede un talento sta poi a noi saper organizzare tale competenza al fine di renderla professione a tutti gli effetti. Potremmo dire che dove “artisti si nasce”, “professionisti si diventa”. Abbiamo più volte accennato al “talento” ma è necessario specificare che per talento, nel nostro esempio dell’arte pittorica, non indichiamo la capacità di disegnare ma bensì la capacità di rendere un nostro prodotto definibile come “arte”. Il processo che porta dal talento alla monetizzazione del talento è una strada di organizzazione strategica e di comunicazione che non si limita di certo a mettere in contatto l’artista con il suo mercato ma di rendere tale contatto il più proficuo possibile. Diventare artista professionista significa saper riconoscere gli strumenti da utilizzare, sapersi rivolgere alle professionalità adeguate nonché riconoscere dove sono i propri limiti rispetto alla capacità di inserimento nel mercato.
 

6) L’Arte ed il suo valore
Dare un valore all’arte può essere un compito arduo. Significa inizialmente attribuire un valore al proprio tempo, alle proprie idee e alla propria creatività. Un quadro, ad esempio, di per sé vale quanto abbiamo speso per realizzarlo (supporto, materiale, cornice, percentuale di tempo utiizzato calcolando le spese di locazione e le bollette, tasse, ecc.). Tutto il resto è un valore aggiunto che dobbiamo definire. Attribuirsi un valore può essere un passo difficile, a volte sembra poco a volte troppo essendo condizionato da fattori psico-sociali. Artingout, ad esempio, definisce per i propri artisti un coefficiente di vendita su cui si calcola il valore commerciale dell’opera (vedi articolo) proprio al fine di fornire un punto di riferimento sia per gli artisti che per i collezionisti d’arte. Il valore iniziale della propria arte deve sempre essere un valore adeguato ai propri obiettivi. Ricordiamo che l’attribuzione iniziale funge da imprinting per il valore stesso dell’artista. Anche in questo caso è meglio non improvvisarsi con il “fai da te”. Una cosa da evitare assolutamente è rimandare al proprio cliente la stima del valore commerciale delle proprie opere. Mostrare sicurezza e determinazione è assolutamente fondamentale.
 

7) Professionalità ed Affidabilità
Chi compra un nostro prodotto artistico compra comunque un’idea, una visione anche di noi come artisti. Una condotta etica rispettosa delle aspettative del nostro cliente, la professionalità intesa come l’insieme di capacità di interazione con il cliente, capacità di mantenere impegni e scadenze, offerta di un prodotto adeguato al suo prezzo, ecc. offrono quella sensazione di affidabilità che segna la differenza tra chi avrà vita breve e coloro che saranno più longevi nel campo dell’arte. Anche una apparente “inaffidabilità” negli impegni, quell’instabilità tipica in molti artisti, va comunque resa “professionale”. Chi non è in grado di offrire tale immagine è necessario che interponga tra se stesso e il proprio mercato un filtro, un rappresentante, un procuratore, in genere un consulente. 
 

8) Vendere a Tutti può Ridurre il Guadagno!
Uno degli errori più comuni è pensare che il guadagno sia vendere a tutti indiscriminatamente, non è così soprattutto nell’arte che, come è noto, vive in particolare di unicità. Nel mondo dell’arte un conto è possedere un Picasso, un altro conto è possederne una riproduzione per quanto perfetta possa essere. In quante case vediamo oggi le stampe dei girasoli di Vincent Van Gogh? Sono stampe non è un Van Gogh!
L’unicità, la rarità, sono nell’arte elementi che rendono più preziosa un’opera. Quindi occorre valutare con attenzione il mercato di riferimento e non cercare sempre di vendere il più possibile a più persone possibile. A volte rendere troppo accessibile un’opera significa tagliare fuori la fetta di mercato che ci permetterebbe invece di vivere di arte. Il mercato va segmentato, differenziato ed occorrono davvero ottime capacità di marketing e comunicazione o l’intuizione di rivolgersi a consulenti.
 

9) La Critica d’Arte
Pochi oggi hanno l’onore di subire una critica, nel bene e nel male, nella maggior parte dei casi la critica si acquista. Scegliere il critico diviene quindi una scelta strategica. Anche qui chi può permetterselo si potrà avvalere dei nomi noti della critica d’arte nazionale ed internazionale altrimenti la scelta deve essere studiata comunque in modo strategico. Un consiglio è, per chi inizia, ad esempio di avvelersi di nomi nuovi che hanno deciso di investire nel lavoro di critico d’arte. In questo caso è l’artista che deve saper cogliere l’affare! Infatti se il critico scelto, a costi più contenuti, diventasse dopo qualche anno un nome noto nell’ambito della critica d’arte, avremmo aumentato il valore della nostra critica.
 

10) Arti Visive. Il Catalogo d’Arte.
Se non potete permettervi un buon catalogo evitate di stamparlo e realizzate solo brochure informative (sempre di alta qualità). Il catalogo è davvero importante e necessario per il futuro di ogni artista. Realizzare un catalogo cercando di risparmiare è davvero una scelta infelice per il nostro marketng artistico. Meglio ridurre le copie anziché la qualità. La realizzazione di un catalogo comporta l’uso di diverse professionalità. Impaginatori, grafici, fotografi d’arte, consulenti in marketing e comunicazione, correttori di bozze, copywriters, traduttori (se vogliamo i testi in altre lingue), tipografi ed altre professionalità opzionali. Alcune tipografie offrono più servizi ma occorre valutare con molta attenzione perché spesso il tipografo non ha anche competenza grafiche e non valuta il segmento di mercato a cui il catalogo è riferito (come farebbe invece il consulente in marketing e comunicazione). Il catalogo è l’interfaccia tra l’artista, con la sua arte, ed il più ampio mercato dell’arte. Una scelta adeguata è la base per il proprio sviluppo nel mondo dell’arte.
 

11) Mostre ed Eventi d’Arte
La realizzazione di un evento artistico non è certo cosa semplice. Non basta collocare qualche opere all’interno di una stanza ovviamente e non tutte le location sono adeguate così come non tutti i periodi sono adatti. Occorre quindi valutare con attenzione numerose variabili, più di quante si possano immaginare compreso il catering per il vernissage. Ogni cosa deve trovare il suo momento ed il suo luogo. Tutti gli artisti inizialmente parteciperanno a concorsi d’arte, collettive e quanto altro sia presente sul territorio prima di tentare con una propria importante personale. In genere le collettive permettono, con costi contenuti quindi sostenibili, di creare un proprio curriculum artistico, una propria storia dopodiché si passa alle personali. Un’esposizione personale d’arte prevede un’organizzazione molto attenta. Una grande personale deve essere organizzata in ogni dettaglio, dalla scelta del periodo dell’anno all’ufficio stampa, dalla location al catering, dalla pubblicità al catalogo, ecc. Quando si inizia un percorso di mostre d’arte personali le collettive private potrebbero diventare svalutanti, a meno che non siano collettive particolari, con grandi autori e comunque importanti. Il passaggio successivo è quello che va dalle mostre d’arte personali agli eventi istituzionali e museali. Raggiunto tale obiettivo anche le mostre d’arte personali iniziano ad essere svalutanti quindi vanno organizzate più raramente e sempre come grandi eventi. Il consiglio per chi vuole ridurre i rischi e gli sforzi è sempre quello di affidarsi, in genere dietro consiglio dei propri consulenti, a buoni organizzatori di eventi in grado di pensare a tutto ciò che serve.
 

12) L’Artista deve poter fare l’Artista!
Ci sono numerose questioni da tenere sotto controllo e da considerare per potere diventare artista di professione. Occorre conoscere il mercato dell’arte non soltanto attuale ma anche quali potrebberoessere gli sviluppi per il futuro. I più capaci riusciranno a determinare essi stessi il mercato divenendo costruttori del futuro dell’arte.  Secondo noi l’artista dovrebbe poter essere libero di creare, di impegnarsi nell’arte, di pensare, di produrre, insomma, libero di fare l’artista senza dover pensare a tutto ciò che invece è la legge del mercato, alle questioni burocratiche e fiscali. Per questo consigliamo di affidarsi a consulenti in grado di poter fornire consigli e pianificare strategie di marketing e comunicazione che possano aiutare a rendere più proficuo il proprio lavoro di artista. L’arte come professione è qualcosa di molto più complesso della semplice creatività. Dove l’artista è creativo nelle sue opere il consulente in marketing è creativo nel suo lavoro.
Per diventare artista la prima cosa da fare, dopo aver scelto di essere artista ovviamente, è affidarsi per la parte commerciale ad un bravo commercialista esperto nel settore. Il commercialista non è un ragioniere, non è un mero contabile. Il bravo commercialista sa seguire il professionista nella sua crescita professionale offre consigli e strategie di mercato. Cercare un punto di riferimento unico in cui i consulenti in marketing e comunicazione lavorino in stretto contatto anche con il consulente fiscale è una delle scelte che artingout propone.
 

Abbiamo quindi toccato alcuni punti per poter offrire uno spunto di riflessione a chi vuole diventare artista di professione. Ricordiamo che per professionista si intende chi utilizza strumenti della propria professione per offrire un servizio ad un committente. L’artista utilizza le proprie idee, la propria visione, la propria creatività e talento, la propria arte per offrire un bene ed un benessere ai propri clienti.
Diventare artista professionista significa credere fermamente nella propria capacità, significa dare per primi valore a ciò che noi stessi produciamo ed offrire tale sensazione di valore a chi deciderà di investire nella nostra competenza, nella nostra arte.
Artingout ha oggi studiato un sistema di divulgazione artistica in grado di rispondere alle esigenze di diversi artisti. Dalla nostra CARD che permette di usufruire di servizi base di sviluppo e promozione con costi di accesso davvero sostenibili fino a più complesse e personalizzate consulenze in marketing e comunicazione offrendo anche servizi di coordinamento di diverse professionalità (grafici, fotografi, musicisti, tipografi, uffici stampa, commercialisti, ecc.) al fine di essere un punto di riferimento unico per chi vuole investire nella propria competenza artistica e creativa.
 

In conclusione ricordiamo agli artisti che intendono trasformare la propria arte in professione di valutare con attenzione ogni passaggio del proprio sviluppo professionale, non muoversi mai a caso e pianificare sia a breve, medi e lungo termine contemporaneamente. Ricordare inoltre di scegliere sempre la qualità e preferire a volte nulla rispetto a qualcosa che, di scarsa qualità, può compromettere per sempre la propria immagine. Quando le risorse economiche non sono molte è bene ricordare che esistono soluzioni per tutte le tasche. Anche in questo caso artingout valuta le potenzialità di sviluppo e propone programmi di marketing, solo per artisti selezionati, con costi iniziali praticamente azzerati. Il nostro obiettivo è investire sempre sulla qualità, sul merito e sulla competenza.

a cura di
Redazione Artingout

con la consulenza del
Dott. Marco Baranello
fondatore teoria emotocognitiva
direttore scientifico ISTEM (Istituto Studi Emotocognitivi)
 

Come Citare Questa Fonte
Redazione Artingout (2011)
Professione Artista. Guadagnare con l’Arte.
www.artingout.com. Roma, 8 settembre 2011
 

Investire in arte è un po’ come giocare in borsa con qualche differenza, la prima è che risulterà molto difficile che nel mercato dell’arte un artista subisca svalutazioni, il valore delle opere d’arte in genere è destinato a crescere o, se dovesse andare proprio male, a rimanere stabile, la seconda è che l’arte rappresenta un prodotto con valore estetico di cui si può sempre usufruire.  Nella sede di questo articolo non parleremo dell’opera come acquisto di cui godere esteticamente ma focalizzeremo l’attenzione sull’investimento in arte offrendo qualche spunto. Come in tutti gli investimenti, anche per quelli in arte occorre saper “fiutare” l’affare, cogliere il momento adatto per acquistare e soprattutto sapere cosa acquistare o “chi” acquistare. Chiunque vorrebbe aver avuto l’intuizione di trovarsi a comprare un Fontana, un De Chirico, un Pollock od un Piacasso, solo per citare alcuni nomi, prima che diventassere i nomi dell’arte moderna e contemporanea oggi a tutti noti. La maggior parte delle persone non si accorge di avere sotto gli occhi opportunità d’investimento finché non sia evidente già a molti e spesso ci si rende conto dell’occasione perduta nel momento che il valore commerciale medio dell’artista è già abbastanza elevato e con alle spalle già qualche catalogo e qualche importante mostra. A questo punto l’investimento in arte risulterà alla portata di meno persone e rivolto a chi abbia una certa capacità di acquisto.
Seguendo però alcuni accorgimenti investire in arte, in particolare in arte contemporanea, può essere alla portata di molti e con costi di investimento iniziali piuttosto contenuti. Proponiamo qualche consiglio per chi vuole iniziare ad investire in arte moderna e contemporanea. Iniziate a frequentare i vernissage delle personali di diversi artisti nelle città capoluogo di provincia. Milano, Roma, Firenze, Torino, Bologna, Venezia sono punti di riferimento importanti in Italia senza comunque mai snobbare contesti più piccoli dove può nascere l’artista del nostro futuro di investimento in arte. Durante i vernissage guardate con attenzione il numero delle persone presenti: quante persone ci sono? Che tipo di persone sono presenti? Quanti dei presenti conoscono direttamente l’artista (è soltanto una persona con tanti amici oppure attira l’interesse di altri?). Sono presenti giornalisti? C’è qualche personaggio pubblicamente noto? Insomma guardare con attenzione è il primo passo. Anche la location, l’allestimento, la qualità del catering, la qualità del materiale divulgativo quindi la capacità ‘ investimento dell’artista sono importanti indicatori. Insomma occorre valutare quanto l’artista sappia investire su se stesso, se si è affidato a consulenti in marketing oppure se si è baloccato nel “fai da te”. Quando dietro un artista ci sono buoni consulenti in marketing e comunicazione, l’affare è dietro l’angolo! Per investimenti in arte è necessario ricordare che la qualità artistica conta in una misura minore rispetto alle capacità d’inserimento sul mercato dell’artista e delle sue opere d’arte. Se vogliamo solo una bel quadro da appendere dentro casa ci possiamo rivolgere ad ottimi artigiani, l’arte è cosa diversa, è creatività, innovazione, ricerca, comunicazione. Investire in arte contemporanea non significa riconoscere la bravura tecnica di un artista, ma la globabilità delle capacità d’impresa dell’artista.
Per gli acquisti d’arte va ricordato che acquistare un dipinto od una scultura in una mostra personale in genere è meno conveniente dal punto di vista della spesa, rispetto all’acquisto direttamente nello studio dell’artista. Potete risparmiare dal 20% fino al 50% comprando direttamente senza intermediari. Dall’altro lato le mostre d’arte sono accompagnate da un catalogo e quindi, anche se pagate qualcosa in più, le opere inserite in un catalogo acquistano maggiore valore nel corso del tempo. Almeno un’opera che sia stata esposta in qualche mostra d’arte è un investimento migliore, sicuramente consigliato.
Un problema è invece quando l’artista ha un’esclusiva con qualche galleria d’arte quindi con qualche mercante d’arte. In questo caso è difficile che possa vendere privatamente ed è anche molto difficile trovare gallerie o collezionist d’artei che possano competere, in termini di prezzo di vendita, con chi detiene l’esclusiva. In questo caso, per questioni di investimento, è possibile comprare all’inizio del rapporto di esclusiva (o quando l’artista conclude il contratto di esclusiva!) se si vuole fare un vero affare, quindi risparmiare e trovarsi un bene che darà i suoi frutti entro breve. Infatti le gallerie d’arte che hanno l’esclusiva decidono autonomamente il mercato e saranno, nel futuro, quasi gli unici ai quali potrete tentare di rivendere l’opera d’arte. Nessuna galleria d’arte ricomprerà l’opera al prezzo del valore commerciale quindi calcolate che vi troverete a vendere tra il 33% ed il 66% del valore commerciale di quel momento. E’ necessario, come in tutti gli investimenti di questo tipo, attendere il momento ideale anche per vendere; a volte, va ricordato, il vero affare lo potrebbero fare i vostri eredi! Il primo consiglio per investire in arte spendendo il giusto è quindi, lo ribadiamo, quello di cercare artisti che investono in modo importante su se stessi. Più che la qualità tecnica dell’opera valutate quindi la qualità dell’investimento da parte dell’artista. Un bravo artista non sempre è anche un bravo venditore o comunicatore ma, gli artisti che riconoscono il proprio limite in questo in genere si avvalgono di consulenti e questo denota capacità d’impresa quindi potenzialità di sviluppo delle quotazioni dell’artista stesso e, ovviamente, delle sue opere d’arte.
Secondo punto, acquistate in studio prima che l’artista si chiuda in qualche esclusiva, acquistate opere d’arte non dozzinali meglio se pubblicate in un catalogo ed esposte in qualche mostra d’arte. Acquistate due-tre opere per artista di dimensioni diverse e acquistate più nomi. Le dimensioni medie in genere sono più facilmente rivendibili delle grandissime dimensioni. Continuate poi a seguire i movimenti dell’artista sul mercato dell’arte. In genere uno sviluppo buono per un artista più o meno ai suoi esordi (anche esordi di vendita non necessariamente artistici) si vede entro i 3-5 anni. Una volta diventato un collezionista d’arte c’è tutto un processo di comunicazione che vi farà comodo, per il quale voi stessi dovrete iniziare a diventare promotori dell’artista, consigliarlo ad amici, vantarvi dell’acquisto delle sue opere, portare più persone possibile ai vergnissage delle mostre successive dell’artista. Questa parte in genere è poco applicata dagli acquirenti d’arte ma assolutamente necessaria. Infatti contribuire allo sviluppo dell’artista porta come conseguenza alla valorizzazione, più rapida, delle opere d’arte in vostro possesso e quindi rende il vostro acquisto un vero investimento in arte. Un collezionista d’arte diviene quindi parte integrante del mercato in cui ha investito.

 
La Redazione
 

come citare questa fonte bibliografica
Redazione Argtinout (2011)
Investire in arte contemporanea
www.artingout.com, Roma 3 agosto 2011